~ Une sonorité vieille de 170 ans ~
Le charme des guitares du XIXe siècle (guitares de salon)
Les guitares du XIXe siècle étaient étonnamment petites selon les critères actuels.
À l'époque, il existait une culture où famille et amis se réunissaient dans le « salon » pour apprécier la musique, et c'est dans cet espace que l'on jouait de la « guitare de salon ».
La sonorité douce qui émanait de ce petit corps symbolisait la chaleur du foyer.
Les guitares présentées ici sont des œuvres de maîtres luthiers des XIXe et début XXe siècles, notamment des Martin des années 1850, ainsi que des Stewart & Bauer et des Washburn.
On retrouve partout le travail artisanal de maîtres artisans en quête de son et de beauté, comme en témoignent le palissandre brésilien et les incrustations de nacre.
Alliant splendeur et délicatesse, la guitare de salon n’est pas un simple instrument, mais une œuvre d’art qui reflète la culture et l’esthétique de l’époque.
Leur sonorité, qui a traversé plus de 150 ans d’histoire, continue aujourd’hui encore de toucher le cœur des gens.
Les grandes guitares acoustiques, représentées par les modèles D-28 et J-45, sont aujourd'hui incontournables sur la scène musicale.
De la country au blues, en passant par le rock, leur volume riche et leur sonorité puissante ont accompagné de nombreux moments.
Ce n'est qu'à partir du XXe siècle que ces « grandes guitares acoustiques » se sont imposées.
La Jumbo, lancée par Gibson en 1934, ainsi que la D-28 (version 12 frettes) commercialisée par Martin en 1931, en sont des exemples emblématiques.
Si l'on remonte encore plus loin, la Dreadnought fabriquée par Martin en 1916 à la demande de la société Dittson a été le précurseur de cette tendance à l'agrandissement.
Je suppose que cela s'explique par le fait qu'à l'époque, la musique country exigeait une guitare dont le volume sonore ne soit pas en reste par rapport à des instruments tels que le banjo, la mandoline, le violon ou le woodBass.
Mais qu'en était-il des guitares avant cela ?
Au XIXe siècle, la norme était des tailles étonnamment petites selon les critères actuels.
Même la taille « 0 (Single O) », que Martin aurait lancée en 1854, est aujourd’hui considérée comme une « petite guitare », mais à l’époque, elle était considérée comme l’une des plus grandes, au point d’être mentionnée dans les listes de prix des années 1870 sous la mention « Largest Concert Size ».
On observe également une tendance à l'agrandissement dans le monde de la guitare classique.
Au XIXe siècle, le célèbre luthier espagnol Antonio de Torres, à la recherche d’un volume sonore adapté aux concerts, a amélioré le barrage et agrandi la caisse de résonance, posant ainsi les fondements de la guitare classique moderne.
C'est ainsi que, du XIXe au XXe siècle, la guitare a connu une évolution majeure, passant d'un format compact à un format plus imposant.
Nous nous intéressons ici à la « guitare parlor », une petite guitare très appréciée dans les foyers de l'époque, qui va à contre-courant de cette tendance à l'agrandissement.
Mais qu'est-ce qu'un « parlor » au juste ?
On dit que le mot « parlor » (parlour aux États-Unis) est né en Europe médiévale pour désigner à l’origine « une pièce dans un monastère où la conversation était autorisée ».
Les moines devaient généralement observer le silence dans les cloîtres, et la pièce spéciale où ils pouvaient s’entretenir avec des personnes extérieures ou leurs confrères était appelée « parlor ».
Ce terme a ensuite été intégré à la vie civile,
et, aux XVIIIe et XIXe siècles dans les pays anglophones, il a commencé à désigner un salon ou une salle de réception.
C'est pourquoi le salon (parlor) était, en tant qu'espace destiné à accueillir les visiteurs, la pièce la plus somptueusement décorée, où étaient disposés des objets d'art et des instruments de musique, et constituait le symbole de la classe moyenne.
La culture du parlor au XIXe siècle
Dans les pays anglophones du XIXe siècle, le salon (parler) ne servait pas seulement à recevoir des invités, mais fonctionnait également comme un lieu de vie sociale au sein de la famille et de pratique musicale (ce qu’on appelle la « musique de salon »).
Équipé d’un mobilier de grande qualité, c’était un espace que l’on pourrait qualifier de scène familiale, où la famille et les amis se réunissaient pour chanter et jouer de la musique.
Au début du XXe siècle, avec l'évolution des modes de vie, le salon formel a progressivement disparu, et le terme « living room » s'est généralisé dans les plans d'habitation et les magazines de décoration.
Qu'est-ce qu'une guitare de salon ?
Dans les pays anglophones du XIXe siècle, le salon (parlor) ne servait pas seulement à recevoir les invités, mais aussi de lieu de vie sociale et de pratique musicale au sein de la famille (ce qu’on appelle la « musique de salon »).
C'était un espace où l'on disposait d'un mobilier de qualité et où la famille et les amis se réunissaient pour chanter et jouer de la musique, une sorte de scène familiale.
Au début du XXe siècle, avec l'évolution des modes de vie, les salons formels ont progressivement cessé d'être utilisés, et le terme « living room » s'est généralisé dans les plans d'habitations et les magazines de décoration.
On constate qu’aux États-Unis, au moins dès la seconde moitié du XIXe siècle, le terme « parlor » a été détourné de son sens initial : on trouve ainsi dans les catalogues d’instruments de l’époque des exemples où les guitares plus petites que le format concert sont présentées comme étant de « taille parlor » (Parlor Size).
De nos jours encore, on trouve des descriptions, notamment dans les ouvrages de référence de la société Martin, qui qualifient de « guitare de salon » les guitares plus petites que les modèles Single-O (taille concert).
On peut supposer que le terme « parlor music » est apparu dans le contexte de l’établissement, au XIXe siècle, de l’espace domestique appelé « parlor » (salon), où l’on pouvait désormais apprécier la musique, et que les instruments plus petits que les guitares de concert, destinés à être utilisés dans ce cadre, ont alors été appelés « parlor size » (guitares de salon).
Il s'agit donc d'une appellation dérivée du lieu de représentation (le salon), qui revêtait également une connotation de classification par taille.
Il est difficile de définir strictement ce qu’est une guitare de salon, mais si l’on se base sur ce qui précède, il est plus prudent de considérer qu’il s’agit d’une guitare acoustique à 12 frettes, plus petite qu’une guitare de concert.
Cependant, si l'on s'en tient à cette définition au sens strict, le terme « guitare de salon » que nous utilisons couramment ne s'applique pratiquement plus, car nous avons rarement l'occasion de manipuler des guitares de taille 1 ou inférieure.
C'est pourquoi nous estimons qu'en réalité, on peut sans problème appeler « guitare parlor » toute guitare dotée d'une tête fendue (ou pleine) avec un joint à la 12e case et de dimensions réduites, ou, au sens large, toute guitare de petite taille.
(Je n’ai pas vraiment envie d’entendre des remarques du genre : « Cette guitare est de taille Single-O, ce n’est donc pas une guitare de salon. »)
Compte tenu de ce qui précède, cet article n’imposera pas de définition stricte de la taille et abordera, au sens large, les « guitares anciennes présentant les caractéristiques d’une guitare de salon ».
La « guitare parlor » est née comme une petite guitare adaptée aux concerts dans les salons.
Nous allons vous présenter son charme à travers des photos de guitares parlour anciennes que nous avons effectivement en stock dans notre boutique.
[Œuvres des maîtres luthiers du XIXe siècle]
Martin Size 2 en palissandre brésilien
Voici une Size 2 d'époque.
La rosace et le filet sont magnifiquement travaillés ; il s'agit d'un exemplaire rare dont on trouve très peu de traces dans les archives.
Le Size 2 était appelé à l'époque « Ladies’ Size » et correspondait exactement à la taille d'une guitare de salon.
À titre de référence, le modèle 0 (Single O) correspondait à la taille « Large Concert », et le modèle 1 à la taille « Large ».
En ce qui concerne l’année de fabrication, on peut généralement la déterminer grâce au numéro de série gravé sur le bloc du manche, mais cette guitare ne porte pas de numéro de série.
En effet, ce n’est qu’à partir de 1898 que les guitares Martin ont pu être datées à l’aide d’un numéro de série ; on estime donc que cet exemplaire a été fabriqué avant cette date.
« Avant cela » correspond à la période comprise entre 1833, année de fondation, et 1897, maisil est possible de déterminer approximativement l'époque en examinant les détails.
Tout d'abord, il y a le tampon gravé à l'intérieur du dos de la caisse.
Bien qu'il soit légèrement effacé, on peut distinguer l'inscription « C. F. MARTIN NEW-YORK ».
Si vous possédez un modèle actuel, il sera intéressant de les comparer.
Le tampon actuel devrait indiquer « C. F. MARTIN & CO. NAZARETH, PA. ».
En réalité, il existe d'autres types de tampons en plus de ces deux-là,
ce qui constitue un indice important pour déterminer l'époque de fabrication.
Il convient notamment de prêter attention à la présence ou non de « & CO. » après « C. F. MARTIN ».
En 1867, lorsque le fils aîné de C. F. Martin, C. F. Martin Jr., et son neveu, C. F. Hartman, ont rejoint la direction, le tampon a été modifié pour devenir « C. F. MARTIN & CO. NEW-YORK ».
Par conséquent, grâce à ce tampon, on peut déterminer que cette guitare a été fabriquée entre 1833 et 1867.
Par ailleurs, on peut voir la mention « NEW-YORK » non seulement sur la bande centrale à l'intérieur du dos de la caisse, mais aussi sur le bloc de manche et la tête.
Cependant, la famille Martin avait transféré son site de fabrication à Cherry Hill dans les années 1840, puis à Nazareth dans les années 1860, où elle est toujours implantée aujourd’hui.
Par conséquent, de nombreuses guitares Martin fabriquées après 1840 l'ont en réalité été ailleurs qu'à New York.
Si le tampon « NEW-YORK » a néanmoins continué à être utilisé, c'est parce que, à l'époque, les instruments Martin étaient toujours distribués via New York ; on peut donc supposer que cette inscription a été utilisée de manière continue tout au long du XIXe siècle.
Une plaque en laiton légèrement verdâtre, sur laquelle sont gravés des fleurs et des feuilles de chardon, ainsi que des boutons en os blanc patiné par le temps, confèrent à cet instrument un aspect digne du terme « antique ».
En regardant attentivement le haut de la plaque, on peut distinguer la gravure « JEROME ».
JEROME est un accordeur fabriqué en France et utilisé sur les Martin des années 1840 à 1850.
D'après la forme des engrenages et la présence de la gravure « JEROME », on peut supposer qu'il a été fabriqué au début des années 1850.
Cette pièce permet de réduire considérablement la période de fabrication aux années 1850.
C'est très émouvant d'imaginer qu'il s'agit là du barrage en X d'une Martin des années 1850.
Jusqu'aux années 1840, divers styles de barrage, tels que le barrage en échelle ou en éventail, ont été testés, et c'est au début des années 1840 que Martin aurait mis au point le barrage en X.
On constate que cet exemplaire est équipé d'une barre de résonance placée au centre de la partie inférieure du corps.
Il s'agit là d'un modèle que l'on retrouve à partir des années 1850 ; cette forme est devenue la norme et a été conservée à partir des années 1860.
C'est en quelque sorte l'une des formes abouties du barrage en X.
En ce qui concerne la position de l'intersection du X par rapport à la rosace,
on parle de « forward shift » (décalage vers l'avant) ou de « rear shift » (décalage vers l'arrière), et on constate que la position de l'intersection du X à cette époque est très éloignée.
Au vu de ces éléments (le tampon, les chevilles et le motif de barrage), nous avons pu estimer que cette guitare a été fabriquée dans les années 1850.
Une guitare datant d’il y a plus de 150 ans, qui a voyagé de New York à la Pennsylvanie, et que Martin a fabriquée dans son atelier de l’époque au prix de nombreux essais et erreurs : on peut presque sentir la texture de cette guitare.
Passons maintenant à l'identification du modèle.
Aujourd'hui, les modèles Style-15, Style-18, Style-28, Style-35, Style-41, Style-42 et Style-45 sont les plus courants, mais à l'époque, il existait 9 variantes rien que dans la série 20 (20, 21, 22, 23, 24, 25, 26, 27 et 28), ce qui témoigne d'une grande diversité dans les spécifications.
Celles-ci varient en fonction des essences de bois utilisées et des ornements, nous allons donc nous pencher sur ces aspects.
Le bois de rose brésilien est utilisé pour les éclisses et le fond.
À l'époque, le palissandre était déjà utilisé à partir du Style-17, ce qui ne permet pas à lui seul de déterminer le modèle.
Il en va de même pour l'épicéa de la table d'harmonie.
Cela dit, on ne peut s'empêcher de penser : « Quelle belle texture ! ».
La touche et le chevalet sont en ébène.
Tout comme l'épicéa et le palissandre utilisés pour le corps,l'ébène est utilisé depuis plus de 150 ans.
Quand on prend en compte la rigidité, les propriétés acoustiques et l'esthétique, on se rend compte une fois de plus que ce bois est incontournable.
Passons maintenant au manche.
À cette époque, on utilisait parfois du cèdre espagnol.
Ce bois est généralement utilisé sur les modèles Style-20 et supérieurs, à quelques exceptions près.
Pour les modèles inférieurs, on utilise du peuplier ou du tilleul, et le manche est peint en noir.
L'utilisation du cèdre espagnol permet de déduire qu'il s'agit d'un modèle de type Style-20 ou supérieur, ce qui constitue un pas en avant.
Passons maintenant aux ornements.
Le corps est orné d'une incrustation en bois et d'une bordure en palissandre brésilien sur la table et le dos.
La rosace de la rosace se caractérise par un motif en demi-diamant et est également décorée de bois.
La bande arrière présente un motif en losange.
Si les modèles Style-20 et supérieurs utilisent principalement un manche en cèdre,
sur le Style-24, la fileterie est en marqueterie colorée,
tout comme l'embout, dont les motifs varient.
C'est pourquoi on peut considérer que les décorations relativement simples, comme celles présentées ici, correspondent aux modèles Style-20 à 23.
Voici une brève description de chaque modèle.
Le Style-20 présente davantage de filets que le Style-18 et un marqueterie colorée.
On y retrouve notamment le motif à chevrons, et il s'agit principalement de la taille 2.
Le Style-21 est principalement de taille 1.
Les styles 22 et 23 figurent également dans le grand livre de Martin, mais
mais on considère qu'à l'époque, ces chiffres ne désignaient pas strictement des spécifications (styles) comme c'est le cas aujourd'hui, mais qu'ils étaient simplement des symboles représentant le prix de vente (22 dollars / 23 dollars). Il ne fait aucun doute que les chiffres 20 et 21 sont eux aussi des symboles indiquant le prix de l'époque.
Ce qui suit n'est qu'une supposition, mais cet exemplaire se caractérise par la présence d'incrustations sur l'embout. Cette décoration étant peu courante sur les Style-20 à 22 et apparaissant à partir du Style-24, je pense qu'il s'agit d'une guitare commercialisée sous le nom de Style-23.
Cette guitare Parlor antique, qui nous invite à réfléchir ainsi à l'histoire de Martin, est tout simplement magnifique.
Stewart & Bauer Parlor
Voici une guitare de salon de la marque Stewart & Bauer datant du début du XXe siècle.
Stewart & Bauer a été fondée en 1898 par George Bauer, luthier spécialisé dans la fabrication de guitares et de mandolines à Philadelphie, et Samuel Swaim Stewart (S. S. Stewart), également réputé pour ses banjos.
Les deux hommes ont collaboré jusqu'aux environs de 1910, fabriquant également des instruments sous leurs propres marques : Bauer se consacrait principalement à la guitare et à la mandoline, tandis que Stewart s'occupait du banjo.
Comme en témoignent ses ornements raffinés, cet instrument est le fruit d'une fusion entre le savoir-faire artisanal et l'art de l'époque.
La bordure en nacre qui entoure l'ensemble du corps et la rosace brillent encore aujourd'hui, plus de 100 ans après, tandis que la touche est ornée d'une incrustation délicate représentant des fleurs et des vrilles.
Ce motif floral s'apparente au motif « Arbre de vie » que l'on retrouve sur les Washburn de la même époque, mais se caractérise par une exécution plus fine.
De plus, le talon du manche est orné d’une sculpture florale que l’on retrouve également sur les banjos de S.S. Stewart, et la bande décorative au dos est elle aussi réalisée dans une technique extrêmement rare utilisant de la nacre.
Chaque élément décoratif témoigne de l'engagement sans faille des artisans, qui ont considéré cette guitare comme une « œuvre d'art au-delà de l'instrument ».
Washburn Model 188 « 1896 STYLE NEW MODEL »
L'histoire de Washburn commence avec la société Lyon & Healy.
Fondée en 1864 par George Washburn Lyon et Patrick Joseph Healy, cette société servait de point de vente à Chicago pour les publications de l'éditeur de musique bostonien Oliver Ditson & Co. (Ditson).
La société Ditson est notamment connue pour avoir commandé en 1916 les modèles « Extra Large » (111/222/333), précurseurs des Martin Dreadnought, ce qui laisse imaginer l'influence considérable qu'elle a eue sur l'industrie des instruments de musique.
Quant à Washburn, comme son nom l'indique, il s'agit de la marque propre de Lyon & Healy, dérivée du deuxième prénom de George Washburn Lyon, et lancée dans les années 1880. Enregistrée officiellement en tant que marque déposée en 1887, ce nom a été attribué aux instruments à cordes de haute qualité (guitares, mandolines, banjos, etc.) fabriqués dans l'usine de la société à Chicago.
Aujourd'hui, Washburn est également connu sur la scène rock pour être utilisé par Paul Stanley et Nuno Bettencourt, entre autres. Quant à Lyon & Healy, c'est aujourd'hui une entreprise réputée pour ses harpes de concert, mais à l'époque, elle avait marqué son époque en tant que fabricant généraliste proposant notamment des mandolines, des banjos et des guitares de salon.
Ce modèle-ci se distingue par une touche abondamment incrustée de nacre et par ses ornements somptueux.
D'après les incrustations et la taille du corps, on suppose qu'il s'agit d'un modèle 188 datant des années 1890-1900.
L'étiquette est de forme circulaire.
La bande centrale au dos du corps porte les inscriptions « 1896 STYLE », « GEORGE WASHBURN » et « NEW MODEL ».
Le chevalet se caractérise par une forme s'évasant en éventail de chaque côté ; il est appelé « Durkee's bridge » d'après le nom de son concepteur, George Durkee. (D'autres formes de chevalets sont également présentées sous ce nom.)
Il s'agit d'une conception novatrice où les cordes passent par des trous percés dans la partie supérieure du chevalet.
Les boutons de l'accordeur sont en nacre, épais et brillants.
La plaque est ornée de motifs végétaux sculptés, et ses deux extrémités sont découpées en forme de couronne.
C'est dans ce choix de pièces que réside le charme unique des instruments anciens.
Guitare Washburn Grand Concert
Il s'agit d'une « Grand Concert » (environ 360 mm de largeur), un modèle légèrement plus grand, proche de la taille 00 (double zéro) de Martin.
Bien qu'il soit impossible d'identifier le modèle avec précision, la forme du chevalet et les décorations sont proches de celles du modèle 367.
Au dos de la tête est estampillé « WASHBURN », et sur la bande centrale au dos du corps figure la mention « LYON&HEALY MAKERS CHICAGO.U.S.A », ce qui rappelle les origines de la marque.
D'après la forme des deux côtés de la plaque, on peut supposer que les mécaniques sont de marque Waverly.
Les mécaniques Waverly ayant commencé à être utilisées par Martin et d'autres fabricants vers 1920, je pense que cette guitare a également été fabriquée à cette époque.
Le corps est en bois de hakalanda, qui présente un grain très marqué.
C'est une guitare ancienne qui allie à merveille le bois et les ornements, pour un résultat somptueux.
【La nécessité de la beauté】 Décorations et matériaux transmis de génération en génération
Dans le « salon » (parler), symbole des familles de la classe moyenne, on trouvait, aux côtés de beaux meubles et de tableaux, une petite guitare destinée à la musique.
En imaginant ce décor, on peut supposer que la guitare de salon du XIXe siècle n'était pas un simple instrument, mais qu'elle s'imposait comme une œuvre d'art qui embellissait la vie quotidienne.
Et sa sonorité douce et délicate symbolisait sans doute à merveille la chaleur du foyer.
En observant ces guitares anciennes, où la texture du bois s’harmonise à merveille avec les ornements en nacre et en plastique de l’époque, on comprend que les artisans recherchaient à la fois le « son » et la « beauté ».
Une petite guitare qui s’intégrait dans des espaces raffinés et reliait les cœurs des gens à travers la musique.
Je pense que c’est là l’essence même de la « guitare de salon », et la raison pour laquelle elle continue de nous fasciner aujourd’hui.
En quelques mots : « Quand on parle de guitare Parlor, on imagine généralement une guitare « maniable », mais en retraçant ses origines, j’ai été ému de constater qu’elle dépassait le simple cadre d’un instrument pour se connecter à l’histoire même de la culture occidentale. Cette fois-ci, avoir pu découvrir une Martin des années 1850, période de ses débuts, a été une expérience inestimable. »
Auteur de cet article : Inoue, gérant d’Advance Guitars – Spécialiste des guitares vintage
Expert ayant côtoyé les instruments depuis son enfance et impliqué dans l'évaluation et la vente de plus de plusieurs milliers de guitares vintage. Il entretient des relations étroites avec des collectionneurs et des revendeurs à l'étranger. Fidèle à sa devise « L'histoire d'une guitare peut changer à cause d'une simple couleur ou d'un tampon », il s'efforce de fournir des explications à la fois passionnées et pleines d'amour.
Qualifications et expérience : expert en instruments de musique depuis 8 ans, collaboration en tant qu'auteur et superviseur pour Guitar Magazine, etc.
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