El encanto de las guitarras de salón antiguas


~Resonancias de hace 170 años~

 

Las guitarras del siglo XIX eran notablemente pequeñas según los estándares actuales.
En los salones de aquella época, donde las familias y los amigos se reunían para disfrutar de la música, se tocaba la «guitarra de salón».
Los suaves tonos que producían sus pequeños cuerpos simbolizaban la calidez del hogar.

Las guitarras que se presentan aquí son obras maestras creadas por renombrados fabricantes desde el siglo XIX hasta principios del XX, entre las que se incluyen una Martin de la década de 1850, junto con instrumentos de Stewart & Bauer y Washburn.
La maestría de los artesanos que buscaban tanto el sonido como la belleza es evidente en todos los detalles, como el palo de rosa brasileño y las incrustaciones de nácar.

Combinando elegancia y delicadeza, la guitarra de salón no es solo un instrumento, sino una forma de arte que refleja el estilo de vida y la sensibilidad estética de su época.
Su resonancia sigue resonando en los corazones de las personas, trascendiendo más de 150 años de tiempo.

Las guitarras acústicas grandes, ejemplificadas por la D-28 y la J-45, son ahora indispensables en la escena musical.
Desde el country y el blues hasta el rock, su rico volumen y su potente resonancia han servido de base a innumerables contextos musicales.

Estas «guitarras acústicas grandes» no se consolidaron hasta después del siglo XX.
La Gibson Jumbo, presentada en 1934, y la Martin D-28 (especificación de 12 trastes), lanzada por Martin en 1931, fueron modelos icónicos en esta evolución.
Si echamos la vista más atrás, la Dreadnought, encargada por la empresa Dittson y fabricada por Martin en 1916, fue pionera en esta tendencia hacia tamaños más grandes.


Se podría imaginar que el trasfondo de estos avances fue la demanda de guitarras capaces de igualar el volumen de instrumentos como el banjo, la mandolina, el violín y la maderaBass en la música country de la época.

Entonces, ¿cómo eran las guitarras antes de eso?
A lo largo del siglo XIX, lo normal eran tamaños sorprendentemente pequeños para los estándares actuales.
Incluso el tamaño «0» (Single O), que se dice que fue introducido por Martin en 1854, se considera hoy en día una «guitarra pequeña». Sin embargo, en aquella época se consideraba una de las guitarras más grandes que existían, hasta tal punto que las listas de precios de la década de 1870 la describían como el «tamaño de concierto más grande».

La tendencia hacia tamaños más grandes también es evidente en el mundo de las guitarras clásicas.
El renombrado luthier español del siglo XIX Antonio de Torres buscaba un volumen adecuado para las actuaciones en salas de conciertos. Experimentó con mejoras en el refuerzo en abanico y el aumento del tamaño del cuerpo, sentando las bases de la guitarra clásica moderna.

Así, entre los siglos XIX y XX, la guitarra experimentó una importante transformación, pasando de tamaños pequeños a grandes.
En esta ocasión, nos centramos en la «guitarra de salón», una guitarra pequeña muy apreciada en los hogares de la época, que se posicionó deliberadamente en dirección opuesta a esta tendencia hacia «tamaños más grandes».

¿Qué es exactamente una guitarra de salón?

Se dice que la palabra «sala de estar» (parlour / parlor en EE. UU.) tiene su origen en la Europa medieval y hace referencia a «una sala en un monasterio donde se permitía conversar».
A los monjes se les exigía normalmente guardar silencio en los claustros, y una sala especial para conversar con personas ajenas al monasterio o con otros monjes se denominaba «parlour».
El término acabó adoptándose en la vida civil.
y en los siglos XVIII y XIX, en los países de habla inglesa, pasó a significar sala de recepción o salón.
En consecuencia, el salón (sala de recepción/sala de invitados) servía como espacio para recibir a los visitantes. Al ser la sala más lujosamente decorada, amueblada con obras de arte e instrumentos musicales, se convirtió en un símbolo de los hogares de clase media.

La cultura del salón en el siglo XIX

En los países anglófonos del siglo XIX, el salón (sala de recepción) no solo servía para recibir a los invitados, sino también como lugar de reunión social y práctica musical (la llamada música de salón).
Amueblado con muebles de calidad, era un espacio similar al escenario familiar donde parientes y amigos se reunían para disfrutar del canto y la música instrumental.
Al entrar en el siglo XX, con el cambio de los estilos de vida, el salón formal cayó gradualmente en desuso. En los planos de las viviendas y en las revistas de estilo de vida, el término «sala de estar» se convirtió en la norma.

¿Qué es una guitarra de salón?

En los países anglófonos del siglo XIX, el salón (o sala de estar) no solo servía para recibir invitados, sino también como espacio para la socialización doméstica y la práctica musical (la llamada «música de salón»).
Amueblado con muebles de calidad, era un espacio similar al escenario familiar donde parientes y amigos se reunían para disfrutar del canto y la música instrumental.
En el siglo XX, con el cambio de los estilos de vida, el salón formal cayó gradualmente en desuso. En los planos de las casas y las revistas de estilo de vida, el término «sala de estar» se convirtió en la norma.

Al menos en los Estados Unidos a finales del siglo XIX, el término «salón» se reutilizó, y se pueden encontrar ejemplos en catálogos de instrumentos de la época que presentan guitarras más pequeñas que las de concierto como «tamaño salón».

Incluso hoy en día, los libros de referencia de Martin describen las guitarras más pequeñas que las single-o (tamaño de concierto) como «guitarras de salón».

Se puede suponer que el término «música de salón» surgió a partir del establecimiento del «salón» (sala de recepción) como un espacio en el hogar en el siglo XIX, donde se podía disfrutar de la música, y que los instrumentos más pequeños que las guitarras de concierto, destinados a ser utilizados en ese espacio, pasaron a denominarse «tamaño de salón (guitarras)».
En esencia, el nombre deriva del espacio de actuación (el salón) y, al mismo tiempo, conlleva connotaciones de clasificación por tamaño.

Aunque es difícil definir estrictamente una guitarra de salón, basándonos en lo anterior, es prudente entender que se refiere a una guitarra acústica más pequeña que una de tamaño single-o (de concierto), con una unión de 12 trastes.

Sin embargo, adoptar una definición tan restrictiva significa que el término «guitarra de salón», tal y como lo utilizamos habitualmente, se vuelve prácticamente inaplicable, ya que rara vez encontramos guitarras más pequeñas que el tamaño 1.

Por lo tanto, en la práctica, consideramos aceptable referirse a las guitarras con clavijero ranurado (o macizo), una unión de 12 trastes y un tamaño compacto como «guitarras de salón». En términos generales, cualquier guitarra compacta podría denominarse «guitarra de salón».
(Preferimos no escuchar conversaciones del tipo: «Esta guitarra es en realidad de tamaño single-O, por lo que no es realmente una guitarra de salón»).

Teniendo esto en cuenta, este artículo no definirá estrictamente el tamaño, sino que abarcará en términos generales «las guitarras antiguas que poseen características similares a las guitarras de salón».

La guitarra de salón, nacida como un instrumento pequeño adecuado para tocar en salones.

Exploraremos su encanto, acompañados de fotografías de guitarras de salón antiguas reales que han llegado a nuestra tienda.

 

【Guitarras de salón antiguas】

Martin Tamaño 2 Palisandro brasileño

Se trata de una pieza antigua de tamaño 2.
Presenta hermosos diseños de rosetones y filetes y es un ejemplar poco común, del que quedan muy pocos ejemplares registrados.

El tamaño 2 se denominaba «tamaño para damas» en aquella época, y correspondía exactamente al tamaño de una guitarra de salón.
Por cierto, el 0 (O simple) se designaba como tamaño de concierto grande, mientras que el tamaño 1 se clasificaba como tamaño grande.

El año de fabricación suele determinarse a partir del número de serie estampado en el bloque del mástil, pero esta guitarra no tiene ningún número de serie estampado.

Esto se debe a que las guitarras Martin solo pueden datarse por sus números de serie a partir de 1898, y se presume que este instrumento se fabricó antes de esa fecha.

«Antes de eso» sería el periodo comprendido entre el año de fundación, 1833, y 1897. sin embargo, al examinar los detalles se puede establecer una datación más amplia.

En primer lugar, el sello grabado en la parte interior de la parte posterior del cuerpo.

Aunque algo descolorido, se puede distinguir el sello «C. F. MARTIN NEW-YORK».
A los propietarios de modelos actuales les puede resultar interesante compararlos.
El sello actual debería decir «C. F. MARTIN & CO. NAZARETH, PA.».

En realidad, existen otros sellos además de estos dos tipos,
que sirven como pistas cruciales para datarlos.

Se debe prestar especial atención a la presencia o ausencia de «& CO.» después de «C. F. MARTIN».
En 1867, cuando C. F. Martin Jr., el hijo mayor de C. F. Martin, y su sobrino C. F. Hartman se incorporaron a la dirección, el sello se cambió a «C. F. MARTIN & CO. NEW-YORK».

Por lo tanto, basándonos en este sello, el año de fabricación de esta guitarra puede reducirse a entre 1833 y 1867.

 

Además, la inscripción «NEW-YORK» es visible no solo en la franja central del interior del fondo del cuerpo, sino también en el bloque del mástil y el clavijero.
Sin embargo, la familia Martin trasladó su producción a Cherry Hill en la década de 1840 y luego a Nazareth en la década de 1860, donde todavía tienen su sede hoy en día.
Por lo tanto, muchas guitarras Martin fabricadas después de 1840 se fabricaron en realidad fuera de Nueva York.
No obstante, el sello «NEW-YORK» siguió utilizándose porque las guitarras Martin todavía se distribuían a través de Nueva York en aquella época, y se cree que este sello se siguió utilizando durante todo el siglo XIX.

 

Una placa de latón ligeramente verdosa grabada con flores y hojas de cardo, complementada con un pomo de hueso blanco con la pátina del paso del tiempo, crea una apariencia digna del término «antiguo».

Una mirada más cercana a la parte superior de la placa revela el grabado «JEROME».

JEROME es un afinador fabricado en Francia y utilizado en las guitarras Martin entre los años 1840 y 1850.

La forma del engranaje y la presencia del grabado JEROME sugieren que fue fabricado a principios de la década de 1850.

Este dato redujo significativamente la fecha a la década de 1850.

 

Es realmente emocionante imaginar que se trata del refuerzo en X de Martin de la década de 1850.

Hasta la década de 1840 se experimentó con varios estilos, como el refuerzo en escalera y el refuerzo en abanico, y se dice que Martin fue pionero en el refuerzo en X en la década de 1840.

Este instrumento en particular cuenta con una barra tonal situada en el centro de la parte inferior del cuerpo.
Este patrón es característico de la década de 1850 y se convirtió en la forma estándar que se mantuvo hasta la década de 1860 y más allá.
En esencia, es una de las formas perfeccionadas del refuerzo en X.
En cuanto a la posición de la intersección de la X con respecto a la boca,
se habla de desplazamiento hacia delante o hacia atrás. Es evidente que el punto de intersección de la X estaba situado bastante lejos durante este periodo.

Basándonos en el sello, las clavijas y el patrón de refuerzo, se puede estimar que esta guitarra se fabricó en la década de 1850.

 

Una guitarra de hace más de 150 años, que ha viajado desde Nueva York hasta Pensilvania, fabricada por Martin en su taller tras muchos ensayos y errores: se puede sentir su textura.

Ahora, el siguiente paso es identificar el estilo.
Mientras que los estilos 15, 18, 28, 35, 41, 42 y 45, entre otros, son los más habituales hoy en día, en aquella época había nueve tipos solo en la década de 1920: 20, 21, 22, 23, 24, 25, 26, 27 y 28, con especificaciones bastante detalladas.

Estos difieren en función de la madera utilizada y la decoración, por lo que analizaremos esos aspectos.

El palo de rosa brasileño se utiliza para los laterales y el fondo del cuerpo.


El abeto utilizado para la tapa del cuerpo tampoco es nada especial.
Sin embargo, da una sensación de gran calidad.

El diapasón y el puente son de ébano.

Al igual que la madera de abeto y palisandro utilizada para fabricar el cuerpo, el uso del ébano también se ha mantenido durante más de 150 años.
Si se tienen en cuenta la rigidez, las propiedades acústicas y el diseño, se comprende que esta madera sigue siendo indispensable.

A continuación, la madera del mástil.

Durante este periodo también se utilizó cedro español.
Aunque hay excepciones, esta madera se utiliza normalmente para los modelos Style-20 y superiores.
Los modelos por debajo de este nivel suelen emplear álamo o tilo, con el mástil acabado en laca negra.

El uso de cedro español sugiere que se trata de un modelo Style-20 o superior, lo que supone un paso adelante.

A continuación, examinemos la decoración.

El cuerpo presenta ribetes de madera y filetes de palisandro brasileño tanto en la tapa como en el fondo.

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La roseta de la boca presenta un diseño de medio diamante y también está decorada con madera.

La banda trasera presenta un diseño de rombos.

Mientras que el Style-20 y los modelos superiores utilizan principalmente mástiles de cedro,
mientras que el Style-24 presenta un ribete de marquetería de colores.
con la pieza final presentando igualmente diseños variados.

Por lo tanto, es probable que las decoraciones relativamente sencillas como esta correspondan a los estilos 20 a 23.

A continuación se ofrece una breve explicación de cada estilo.

El estilo 20 presenta más uniones que el estilo 18 y utiliza parquet de colores.
Se emplean características como los patrones en espiga, principalmente en el tamaño 2.

El estilo 21 es principalmente de tamaño 1.

Los estilos 22 y 23 también figuran en los libros de contabilidad de Martin.
estos números no pretendían denotar estrictamente las especificaciones (estilos) como lo hacen hoy en día, sino que eran simplemente símbolos que representaban el precio de venta (22 $/23 $). Tanto el 20 como el 21 eran símbolos similares que indicaban el precio en ese momento.

Esto es una especulación, pero una característica distintiva de este instrumento en particular es el trabajo de incrustaciones en la pieza final. Teniendo en cuenta que esta decoración rara vez se ve en los estilos 20-22 y aparece a partir del estilo 24, se cree que esta guitarra pudo haber sido comercializada como un estilo 23.

Una guitarra de salón antigua que provoca una reflexión tan profunda sobre la historia de Martin es simplemente maravillosa.

Stewart & Bauer Parlor

Esta es una guitarra de salón de principios del siglo XX, fabricada por la marca Stewart & Bauer.

Stewart & Bauer fue fundada en 1898 por George Bauer, un fabricante de guitarras y mandolinas de Filadelfia, y Samuel Swaim Stewart (S. S. Stewart), también conocido por ser fabricante de banjos.

Ambos continuaron su colaboración hasta aproximadamente 1910, fabricando instrumentos bajo sus respectivas marcas, con Bauer trabajando principalmente en guitarras y mandolinas y Stewart en banjos.

Como se puede apreciar en su exquisita decoración, este instrumento es una fusión de la artesanía y el arte de la época.

Los adornos y la roseta de nácar que bordean todo el cuerpo siguen brillando con intensidad incluso después de más de 100 años, y el diapasón presenta delicadas incrustaciones con motivos florales y de enredaderas.
Este motivo floral es similar al motivo del «árbol de la vida» que se encuentra en las guitarras Washburn de la misma época, pero se caracteriza por su expresión más delicada.

Además, el talón del mástil está tallado con motivos florales, como se ve en los banjos S.S. Stuart, y la decoración de la franja trasera también cuenta con incrustaciones de nácar extremadamente raras.

Cada decoración individual transmite la pasión que los artesanos han volcado en esta guitarra como «obra de arte más allá de un instrumento».

Washburn Modelo 188 «1896 STYLE NEW MODEL»

La historia de Washburn comienza con Lyon & Healy.

La empresa fue fundada en 1864 por George Washburn Lyon y Patrick Joseph Healy como oficina de ventas en Chicago para las publicaciones de la editorial musical Oliver Ditson & Co. (Ditson), con sede en Boston.

Ditson también es conocido por encargar el modelo «Extra Large» (111/222/333) en 1916, que se convirtió en el progenitor de la Martin Dreadnought. Esto demuestra la importante influencia de la empresa dentro de la industria de los instrumentos musicales.

Ahora bien, Washburn, como su nombre indica, es la marca propia de Lyon & Healy, derivada del segundo nombre de George Washburn Lyon, y se fundó en la década de 1880.Se registró oficialmente como marca comercial en 1887, y este nombre se aplicó a los instrumentos de cuerda de alta calidad (guitarras, mandolinas, banjos, etc.) producidos en la fábrica de la empresa en Chicago.

Hoy en día, Washburn también es conocida en el mundo del rock por su uso por parte de Paul Stanley y Nuno Bettencourt, entre otros. Por otro lado, Lyon & Healy es hoy en día famosa por sus arpas de concierto, pero en su época dorada fue un fabricante integral que marcó una época, dedicándose a la fabricación de mandolinas, banjos, guitarras de salón y mucho más.

Este instrumento en particular es un modelo cuyo atractivo reside en su generoso diapasón con incrustaciones de nácar y su espléndida ornamentación.

Por las incrustaciones y el tamaño del cuerpo, se cree que es un modelo 188 de entre 1890 y 1900.

 

La etiqueta es circular.

La franja central de la parte posterior del cuerpo lleva los sellos «1896 STYLE», «GEORGE WASHBURN» y «NEW MODEL».

El puente se caracteriza por su forma de abanico a ambos lados y recibe el nombre de puente Durkee en honor a su diseñador, George Durkee. (También se presentan otras formas de puente con el mismo nombre).
Presenta un diseño innovador en el que las cuerdas pasan a través de orificios abiertos en la parte superior del puente.

Los afinadores cuentan con botones gruesos y brillantes de nácar.
La placa está tallada con motivos botánicos, con ambos extremos perforados en forma de corona.

Estos componentes encarnan el carácter distintivo de una pieza antigua.

Guitarra Washburn Grand Concert

Se trata de un tamaño «Grand Concert» ligeramente más grande (aproximadamente 360 mm de ancho), similar al tamaño 00 (Double-O) de Martin.

Aunque no se puede identificar el modelo exacto, la forma del puente y la decoración son similares a las especificaciones del modelo 367.

La parte posterior del clavijero lleva el sello «WASHBURN», mientras que la franja central de la parte posterior del cuerpo lleva el sello «LYON&HEALY MAKERS CHICAGO.U.S.A», que evoca la herencia de la marca.

Los afinadores son probablemente Waverly, según la forma de ambos lados de la placa.
Dado que los afinadores Waverly comenzaron a utilizarse en las guitarras Martin alrededor de 1920, se cree que esta guitarra también se fabricó por esa época.

El cuerpo es de madera de jacaranda con un veteado muy llamativo.

Es una guitarra antigua que posee una hermosa armonía entre la madera y su ornamentación, dotada de un cierto esplendor.

【La naturaleza inevitable de la belleza】

En el salón, símbolo del hogar de clase media, junto a los muebles y cuadros de calidad, se colocaba una pequeña guitarra para hacer música.

Al imaginar estas escenas, se podría suponer que la guitarra de salón del siglo XIX no era solo un instrumento, sino que también afirmaba su presencia como un objeto artístico que añadía color a la vida cotidiana.

Y su resonancia suave y delicada encarnaba sin duda el sonido mismo de la calidez doméstica.

Estas guitarras antiguas, en las que la textura de la madera armoniza maravillosamente con las incrustaciones de nácar y plástico de la época, transmiten cómo los artesanos buscaban tanto el «sonido» como la «belleza».

Esa pequeña guitarra, que adornaba espacios refinados y conectaba los corazones de las personas a través de la música. Creo que esa es la esencia misma de la «guitarra de salón» y la razón por la que sigue cautivándonos hasta el día de hoy.

 

Gerente de Advance Guitars, Inoue

Advance Guitars, Gerente Inoue