Le voyage folk de Hoshino, d'Advance Guitars
~ Chansons folk et guitares acoustiques ~
3e épisode : Nobuyasu Okabayashi
Bonjour.
Je m’appelle Hoshino et je travaille chez Advance Guitars, situé à Shinjuku (Shin-Okubo), à Tokyo.
Cette série d’articles est née d’une question toute simple : « À qui appartiennent ces grands classiques de la musique folk qui ont enflammé tout le Japon de la fin des années 1960 aux années 1970, et sur quelles guitares acoustiques étaient-ils joués ? » C’est dans le cadre de cette série intituléeDans « Le voyage folk de Hoshino d’Advance Guitars ~ La chanson folk et les guitares acoustiques ~ », je vous présenterai les artistes de la chanson folk et les guitares qu’ils utilisaient.
Derrière ces grands classiques, quelles guitares ont été choisies, dans quel but, et quelle sonorité produisaient-elles ?
En rédigeant cet ouvrage, j’approfondis mes connaissances grâce à mon regard de passionné, en tant que vendeur professionnel d’instruments de musique, et à ma soif de découverte en tant que simple amateur de musique.
3e épisode : Nobuyasu Okabayashi, « le génie solitaire », et Terry Nakamoto, le maître luthier
Le thème de ce troisième volet est Nobuyasu Okabayashi, une figure solitaire incontournable de l’histoire du folk-rock japonais.
Nous nous pencherons sur sa spiritualité, qui l’a conduit à incarner son époque, ainsi que sur le lien profond qui l’unit à la « Terry’s Terry », qui règne aujourd’hui en maître parmi les meilleures guitares japonaises. Nous dévoilerons la véritable nature du son ultime auquel est parvenu cet homme surnommé « le Dieu de la folk ».
Quel est le parcours qui a conduit Nobuyasu Okabayashi à être surnommé le « dieu du folk » ?
« Fils d’un pasteur de l’Église chrétienne, Nobuyasu Okabayashi a grandi en écoutant principalement de la musique classique et des cantiques dès son plus jeune âge.
À l’époque, il considérait apparemment que « toute musique autre que le classique et les cantiques était la musique du diable ».
Tant il était fervent dans sa foi chrétienne que Nobuyasu Okabayashi s’est orienté vers la vocation de pasteur. Il est entré en 1966 à la faculté de théologie de l’université Doshisha, mais a peu à peu commencé à nourrir des doutes quant à sa foi en raison de problèmes internes, notamment la manière dont était traitée une jeune fille en difficulté au sein de l’église familiale.
En 1967, au terme de ses tourments, Nobuyasu Okabayashi se rendit à Sanya, un quartier de Tokyo surnommé « Doya-gai » (quartier des logements de fortune). Les « Doya-gai » sont des quartiers où s’entassent les travailleurs journaliers, accablés par un travail physique exténuant et la pauvreté, dans l’ombre de la forte croissance économique. C’est sa rencontre avec le pasteur Kanai, qui y venait en aide aux travailleurs, qui allait changer le cours de sa vie et l’histoire de la musique japonaise.
À l’époque, Nobuyasu Okabayashi, alors âgé de 20 ans, était en proie à des tourments, mais, animé par son sens de la justice en tant qu’étudiant en théologie et convaincu de vouloir « venir en aide aux travailleurs », il s’était rendu à Sanya. Face à lui, le pasteur Kanai lui lança sans ménagement : « Qu’est-ce que tu viens faire ici ? Tu crois venir sauver les travailleurs ? Ne te fais pas de fausses illusions. »« Si tu veux vraiment comprendre, ne te pose pas en sauveur : deviens toi-même un travailleur journalier, et essaie de survivre en buvant la même eau boueuse qu’eux. »
Ce sont ces mots qui poussèrent Nobuyasu Okabayashi à abandonner ses études de théologie pour s’installer dans le quartier des dortoirs comme simple travailleur journalier.
Sa vie là-bas consistait à transpirer sur les chantiers de construction, puis à se détendre le soir avec du shochu bon marché après une journée de labeur. J’imagine qu’il y avait là la réalité crue de la vie et de la mort d’« êtres humains en chair et en os », où la compassion ou la pitié venues d’en haut n’avaient absolument aucune place.
« Yamaya Blues » (1968), considéré comme le morceau emblématique de Nobuyasu Okabayashi, exprime la solitude ressentie à Yamaya et le cri des travailleurs, portés par le bruit de fond du disque et les arpèges de guitare.
Lorsque j’ai écouté cette chanson pour la première fois en préparant cette chronique, je me suis dit : « Quelle chanson sombre ! » Mais après avoir découvert l’histoire de Nobuyasu Okabayashi, je l’écoute désormais avec une émotion profonde, en me disant : « C’est donc avec de tels sentiments qu’il a vécu à Yamaya. »
À l’époque de la sortie de « Yamaya Blues », le « folk du Kansai » et le « folk underground » étaient en plein essor. Les chansons de Nobuyasu Okabayashi qui exprimaient un esprit rebelle, telles que « Tomo yo » (1968) et « Kusokurae-bushi » (1969), ont immédiatement touché le cœur des jeunes, et il a fini par être surnommé le « dieu du folk ».
Bien que « Yamaya Blues » soit le premier titre de Nobuyasu Okabayashi, il semblerait qu’à l’origine, ce soit « Honjama, Ojamashimasu » (face A) / « Yamaya Blues » (face B) — une version remaniée de « Kusokurae-bushi » — qui ait été prévu comme premier single. Cependant, une anecdote raconte qu’en raison du caractère provocateur des paroles, c’est finalement « Yamaya Blues », qui figurait initialement sur la face B, qui a été choisi comme premier titre.
La disparition du « dieu du folk » et son histoire avec la « reine de la chanson populaire »
Alors que Nobuyasu Okabayashi, acclamé comme le « Dieu de la folk » par de nombreux jeunes et par le grand public, semblait connaître un succès fulgurant, un incident survint.
Le titre de « dieu » a peu à peu commencé à peser sur Nobuyasu Okabayashi…
Le public le portait de plus en plus aux nues en tant que « gourou de la jeunesse », ce qui fit naître des attentes et des appels de plus en plus nombreux pour qu’il intègre des messages politiques dans ses chansons.Le fossé entre son désir de chanter des chansons inspirées de ses propres expériences, à l’image de « Yamaya Blues », et les attentes du public, qui lui demandait de chanter des messages politiques, a de nouveau plongé Nobuyasu Okabayashi dans la tourmente. En 1971, trois ans seulement après ses débuts, il a soudainement disparu de la scène musicale après sa dernière prestation lors de la 3e édition du « All Japan Folk Jamboree », organisée à Sakashita, dans le district d’Ena, préfecture de Gifu.
Nobuyasu Okabayashi s’est retiré dans un village rural de la préfecture de Kyoto pendant environ quatre ans. Il a peut-être profité de cette vie rurale, les mains couvertes de boue et en s’éloignant complètement de la musique, pour se recentrer sur lui-même. On raconte même qu’il cachait à son entourage le fait qu’il était « Nobuyasu Okabayashi ».
C’est alors qu’un événement va amener Nobuyasu Okabayashi, menant cette vie rurale, à faire son retour dans le monde de la musique. Alors qu’il entamait sa quatrième année de vie à la campagne, il a été profondément bouleversé en entendant, par hasard à la télévision, les voix de Hibari Misora et de Michiya Mitsuhashi.Jusqu’alors, Nobuyasu Okabayashi, qui s’était passionné pour le folk et le rock américains et considérait les chansons populaires et l’enka comme des symboles du mercantilisme et des genres dépassés, a été touché non pas par une musique consistant à adapter des paroles anglaises en japonais et à chanter sur des rythmes à deux ou quatre temps, mais par des mélodies magnifiquement interprétées sur des rythmes à un ou trois temps, propres à la culture japonaise.
La chanson « Tsuki no Yagisha », qui allait devenir un grand classique, est une composition que Nobuyasu Okabayashi a écrite dans un village rural en pensant à Hibari Misora. Après l’avoir enregistrée sur une cassette, il l’a envoyée à Seitaro Kuroda, un illustrateur de sa connaissance ; de là, elle est parvenue au parolier Osamu Yoshioka, avant d’arriver finalement entre les mains de Hibari Misora elle-même.Mizuki Hibari elle-même a supplié de pouvoir « chanter » cette chanson, ce qui a donné lieu à une rencontre miraculeuse entre elle et Nobuyasu Okabayashi lors de l’enregistrement. En 1975, le single de Mizuki Hibari, avec « Le train de nuit au clair de lune » en face A et « Au gré du vent » en face B, est sorti. Il semble que ce projet ait vu le jour parce que Mizuki Hibari avait apprécié non seulement « Le train de nuit au clair de lune » de Nobuyasu Okabayashi, mais aussi « Au gré du vent ».Par la suite, Nobuyasu Okabayashi et Hibari Misora sont devenus des amis de cœur et ont approfondi leur relation.
Une anecdote raconte que, dans les années 1970, Hibari Misora aurait offert une lettre à Nobuyasu Okabayashi. Cette lettre contenait un poème ; à l’époque, il n’avait pas compris l’univers qui s’en dégageait et n’avait donc pas pu en faire une œuvre. Mais en 2009, alors qu’il faisait du rangement chez lui, il a retrouvé cette lettre dans un tiroir et, après environ 35 ans, a publié « Requiem ~ L’alouette des champs de blé ~ » (2010).
La résurrection totale de l’âme que Nobuyasu Okabayashi a accomplie avec « Enya Tott »
En 1975, après quatre années passées à la campagne, Nobuyasu Okabayashi fait son grand retour dans le monde de la musique. Il quitte CBS-Sony, où il était auparavant sous contrat, pour rejoindre Nippon Columbia. Contrairement à ses chansons de travail, dans lesquelles il racontait avec ferveur ses expériences personnelles, il sort alors « Utsushie » (1975), un album composé de morceaux de style enka et kayōkyoku.Ce n’est pas le rock à 8 temps ni la folk occidentale que Nobuyasu Okabayashi a finalement adoptés, mais bien les rythmes propres aux Japonais, tels que ceux des chants populaires et des danses du Bon, qui constituaient l’essence même de l’« Enya Totto ».
Une légende raconte également qu’en décembre de la même année, lors du « Recital Nobuyasu Okabayashi – Nakano Sunplaza » qui s’est tenu au Nakano Sunplaza – son premier concert en solo depuis environ quatre ans –, Hibari Misora elle-même serait montée sur scène depuis le public pour interpréter « Kaze no Nagare ni ».
Derrière le style musical de Nobuyasu Okabayashi se cachaient sa libération des tourments qui lui avaient valu le surnom de « dieu de la folk », le travail physique exténuant qu’il avait effectué dans la vallée de Yamaya, ainsi que les rythmes de l’enka et des chansons populaires qu’il avait découverts lors de sa vie à la campagne. C’est peut-être là que réside la réponse qui lui a permis de forger son nouveau style musical.
Les guitares japonaises qui soutiennent la « Enya-totto Music » de Nobuyasu Okabayashi
Derrière la « Enya-Totto Music », qui s’appuie sur les rythmes traditionnels japonais que poursuit Okabayashi, se cache une exigence particulière : privilégier la qualité sonore tout en garantissant une résistance aux conditions de jeu extrêmes. En particulier, « une bonne résonance, une grande robustesse et un son pur » constituent les critères essentiels recherchés par Nobuyasu Okabayashi.
YAMAHA L-54 Custom, fabriquée en 1977
Ce système de fabrication sur commande a vu le jour autour du concept suivant : « Ne pas se contenter de modèles existants, mais créer le son recherché par l’artiste ». Terry Nakamoto, de son vrai nom Terumi Nakamoto, qui supervisait le projet, a estimé que « l’impact n’était pas suffisant pour les convaincre » et a donc fabriqué pour Bass quatre guitares qui allaient plus tard être surnommées les « Quatre Rois de la série L ». Il s’agit des modèles L-51, L-52, L-53 et L-54.
Cet instrument est l’un des exemplaires du modèle L-54 à corps western commandés par Nobuyasu Okabayashi à Bass. Lors de sa commande, il avait demandé à Terry Nakamoto une guitare « qui sonne bien, qui soit robuste et au son vulgaire ».
Les archives indiquent que cet instrument, fabriqué selon ces spécifications, présente une épaisseur de panneaux globalement plus importante et un aspect épuré, sans repères de position. Il s’agit d’un modèle unique, dont l’apparence ressemble à celle de la L-51 mais dont les dimensions du corps diffèrent. Nobuyasu Okabayashi déclare : « J’ai fait la connaissance de M. Nakamoto en 1977, et depuis qu’il m’a fabriqué celle-ci (la L-54 Custom), je ne joue plus que sur des YAMAHA. J’ai été séduit par la personnalité de Terry Nakamoto. »
*L'image est donnée à titre indicatif. (L-54 Custom de 1975)
Terry's Terry TJ-100 Custom
*La photo est donnée à titre indicatif. (TJ-100)
La marque « Terry's Terry », dirigée par Terry Nakamoto
M. Nakamoto fabrique chaque instrument à la main ; une étiquette en cuir à l’intérieur, portant sa signature manuscrite, accompagne l’instrument lorsqu’il est livré à son propriétaire.
L'instrument utilisé par Nobuyasu Okabayashi est un modèle dont la rosace est ornée de nacre d'Avalon et qui présente des incrustations « Snowflake ». Sur le modèle présenté en photo, la bordure est également ornée de nacre d'Avalon, mais cela n'a pas pu être confirmé sur l'instrument utilisé par Nobuyasu Okabayashi. On peut donc en déduire qu'il privilégie un design aussi simple que possible.
Terry's Terry TMJ-051 Custom
Il s'agit d'un exemplaire de la YAMAHA L-51, caractérisée par son corps asymétrique, fabriqué sous la référence Bass.
On constate que, tout en conservant la forme du corps, du pickguard et du chevalet, la tête adopte la forme Terry's Terry, tandis que la touche et le chevalet sont en palissandre plutôt qu’en ébène. De plus, on remarque que cet instrument ne comporte pas non plus de décor en nacre d’Avalon et présente une finition sobre.
*L'image est donnée à titre indicatif. (D-28 de 1955)
Terry's Terry TS-100 Custom
Voici la TS-100 Custom, qui attire le regard avec sa finition « 3-tone sunburst ». Contrairement aux deux modèles Terry's Terry présentés précédemment, on remarque ici la présence d’une incrustation en nacre d’Avalon qui orne le pourtour du corps.
Le corps, les côtés de la touche et la tête sont bordés d’une bande en érable. C’est une guitare qui dégage une élégance et une beauté différentes de celles d’une finition naturelle.
En découvrant Nobuyasu Okabayashi…
J’ai pris conscience une nouvelle fois que les chanteurs actifs dans les années 1960-1970, à l’époque où le « folk underground » était en vogue, avaient été critiqués par les jeunes et le grand public pour leur mercantilisme, et qu’ils avaient traversé une période difficile où ils avaient dû remettre en question leur confiance en eux.
J’ai été surpris de constater que, tout comme Tomoya Takaishi, présenté dans le deuxième volet, qui s’était installé à Nadasho pour prendre ses distances avec la musique, Nobuyasu Okabayashi avait lui aussi pris ses distances avec la musique en menant une vie rurale. J’ai également été stupéfait d’apprendre qu’en 1969, épuisé mentalement par un emploi du temps surchargé et les attentes de son public, il avait annulé au dernier moment un concert à Osaka, laissant une lettre indiquant « Je pars soigner ma diarrhée », avant de disparaître.
De plus, Nobuyasu Okabayashi, qui a marqué son époque au même titre que Happy End, Hibari Misora et Osamu Kitayama, a su, au cours de sa vie mouvementée, nouer des rencontres qui constituent sans doute l’un des plus grands miracles gravés dans l’histoire de la musique japonaise.En réécoutant des chefs-d’œuvre tels que « Yamaya Blues » et « Tulipe en patchwork », mais aussi « Une chanson d’amour pour toi » et « Mon ami », j’ai ressenti le besoin de mieux connaître Nobuyasu Okabayashi.
Si vous avez des anecdotes à partager, du genre « Quand on parle de Nobuyasu Okabayashi, il y a cette histoire-là ! », « Il faut absolument écouter ce morceau » ou encore « J’ai été témoin de son disparition en direct », n’hésitez surtout pas à me les raconter !
Nous attendons également avec impatience vos demandes concernant les musiciens que vous aimeriez voir abordés à l’avenir ou les anecdotes liées à la chanson folk. Pour moi, les témoignages de première main, du type « j’ai vu ça de mes propres yeux à l’époque » ou « j’ai entendu le son de cette guitare lors de ce concert », sont extrêmement précieux et constituent avant tout un véritable manuel d’apprentissage. Si vous le souhaitez, n’hésitez pas à contacter Hoshino chez Advance Guitars.
✉️ aco@tcgakki.com
Alors, rendez-vous dans le prochain épisode de « Les voyages folk de Hoshino » !
Auteur de cet article : Hoshino (Advance Guitars)
Entré chez TC Gakki en janvier 2025. Il joue principalement de la guitare électrique, avec une prédilection pour les morceaux instrumentaux, tout en recherchant les nuances et la puissance expressive de cet instrument.
Ses artistes préférés sont B'z, Gary Moore, Allen Hinds, etc.
Son passe-temps : dessiner des illustrations à l’aide de marqueurs Copic.
Qualifications et expérience : 10 ans d’expérience en tant que vendeur d’instruments de musique , 2 ans en tant qu’expert en instruments de musique
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