Hoshinos Folk-Reiseberichte bei Advance Guitars
~Folksongs und Akustikgitarren~
Teil 3: Nobuyasu Okabayashi
Hallo.
Mein Name ist Hoshino von Advance Guitars in Shinjuku (Shin-Okubo), Tokio.
Diese Serie entstand aus der einfachen Frage: „Von wem stammen diese berühmten Lieder eigentlich und auf welchen Akustikgitarren wurden sie gespielt?“, die sich aus der Entwicklung der „Folksongs“ – die Japan von der zweiten Hälfte der 1960er bis in die 1970er Jahre hinein begeisterten – bis hin zur „New Music“ der 1980er Jahre ergab.in der Reihe „Hoshinos Folk-Reise bei Advance Guitars – Folksongs und Akustikgitarren“ den Fokus auf die Folksong-Künstler und die von ihnen verwendeten Gitarren.
Welche Gitarren wurden hinter den Kulissen dieser Meisterwerke mit welcher Absicht ausgewählt und welchen Klang hatten sie?
Während des Schreibens vertiefe ich mein Wissen sowohl aus der Perspektive eines professionellen Musikfachhändlers als auch aus der Neugier eines echten Musikfans.
Teil 3: „Das einsame Genie“ Nobuyasu Okabayashi und der Meisterbauer Terry Nakamoto
Das Thema der dritten Folge ist Nobuyasu Okabayashi, eine eigenwillige Persönlichkeit, die aus der Geschichte des japanischen Folk-Rock nicht wegzudenken ist.
Wir beleuchten seine Spiritualität, mit der er als Sprachrohr seiner Zeit durch die Musikwelt stürmte, sowie die tiefe Verbindung zur „Terry’s Terry“, die heute als Japans beste Gitarre gilt. Wir entschlüsseln das Geheimnis des ultimativen Klangs, zu dem der als „Gott“ bezeichnete Mann gelangte.
Was ist der Hintergrund dafür, dass Nobuyasu Okabayashi als „Gott des Folk“ bezeichnet wird?
„Nobuyasu Okabayashi wuchs als Sohn eines christlichen Pastors auf und hörte von Kindesbeinen an vor allem klassische Musik und Kirchenlieder.
Damals dachte er offenbar: ‚Alles außer Klassik und Kirchenliedern ist Teufelsmusik.‘
Nobuyasu Okabayashi, der so glühend am christlichen Glauben festhielt, strebte eine Laufbahn als Pfarrer an und schrieb sich 1966 an der theologischen Fakultät der Doshisha-Universität ein. Doch aufgrund interner Vorgänge in der Kirche seiner Eltern, beispielsweise im Umgang mit einem „schlechten Mädchen“, begann er allmählich, an seinem Glauben zu zweifeln.
Im Jahr 1967 führte Nobuyasu Okabayashis Weg nach all seinen Qualen nach Sanya in Tokio, einem sogenannten „Doya-Viertel“. Ein Doya-Viertel ist ein Stadtteil, in dem sich Tagelöhner drängen, die im Schatten des rasanten Wirtschaftswachstums unter harter körperlicher Arbeit und Armut leiden. Sein Besuch bei Pastor Kanai, der dort Arbeiter unterstützte, sollte sein Leben und die Musikgeschichte Japans verändern.
Der damals 20-jährige Nobuyasu Okabayashi war zwar von innerer Zerrissenheit geplagt, kam aber aus seinem als Theologiestudent geprägten Gerechtigkeitssinn heraus mit dem Vorsatz „Ich will den Arbeitern helfen!“ nach Sanya. Pastor Kanai empfing ihn jedoch mit den schonungslosen Worten: „Was willst du hier? Glaubst du etwa, du seist gekommen, um die Arbeiter zu retten? Mach dir keine anmaßenden Gedanken.“„Wenn du es wirklich wissen willst, dann werde nicht der Retter, sondern selbst Tagelöhner und versuche, vom selben schlammigen Wasser zu leben.“
Genau diese Worte veranlassten Nobuyasu Okabayashi dazu, sein Theologiestudium aufzugeben und sich als Tagelöhner im Elendsviertel niederzulassen.
Sein Leben dort bestand darin, auf Baustellen zu schuften und abends mit billigem Shochu die Strapazen des Tages zu vergessen. Ich stelle mir vor, dass es dort das reale Leben und den Tod „echter Menschen“ gab, bei dem Mitleid oder Erbarmen von oben keinerlei Platz hatten.
„Yamaya Blues“ (1968), das als Nobuyasu Okabayashis bekanntestes Lied gilt, erzählt von der Einsamkeit, die er in Yamaya empfand, und vom Schrei der Arbeiter – untermalt von Plattenrauschen und Gitarrenarpeggios.
Als ich dieses Lied zum ersten Mal hörte, während ich an dieser Kolumne schrieb, dachte ich: „Was für ein düsteres Lied“, doch nachdem ich Nobuyasu Okabayashis Geschichte kennengelernt hatte, begann ich es mit einem tiefen Gefühl der Anteilnahme zu hören und dachte: „Mit solchen Gefühlen hat er also seine Zeit in Yamaya verbracht.“
Die Zeit, in der „Yamaya Blues“ veröffentlicht wurde, war gerade die Blütezeit des „Kansai-Folk“- und „Underground-Folk“-Booms. Nobuyasu Okabayashis Lieder wie „Tomo yo“ (1968) und „Kusokurae-bushi“ (1969), die von rebellischem Geist handelten, fanden im Handumdrehen Anklang bei der Jugend, und schon bald wurde er als „Gott des Folk“ gefeiert.
Nobuyasu Okabayashis Debütsong war zwar „Yamaya Blues“, doch eigentlich war als Debütsong die umbenannte Version von „Kusokurae-bushi“ vorgesehen: „Honjama, Ojamashimasu“ (Seite A) / „Yamaya Blues“ (Seite B). Es gibt jedoch die Anekdote, dass man aufgrund des radikalen Textinhalts den ursprünglich auf der B-Seite befindlichen „Yamaya Blues“ als Debütsong veröffentlichte.
Das Verschwinden des „Gottes des Folk“ und die Geschichte mit der „Königin der Popmusik“
Gerade als es so aussah, als würde der Hype um Nobuyasu Okabayashi, der von vielen jungen Menschen und der Bevölkerung als „Gott des Folk“ verehrt wurde, reibungslos weitergehen, kam es zu einem Zwischenfall.
Der Titel „Gott“ begann Nobuyasu Okabayashi nach und nach zu belasten …
Da die Öffentlichkeit ihn zunehmend als „Guru der Jugend“ feierte, wuchsen die Erwartungen und Forderungen, dass er politische Botschaften in seinen Liedern zum Ausdruck bringen solle.Die Kluft zwischen seinem Wunsch, Lieder wie „Yamaya Blues“ zu singen, die von seinen eigenen Erfahrungen handelten, und der Forderung der Öffentlichkeit, politische Botschaften zu vermitteln, bereitete Nobuyasu Okabayashi erneut große Qualen. Im Jahr 1971, nur drei Jahre nach seinem Debüt, verschwand er plötzlich aus der Musikszene, nachdem er zum letzten Mal auf der Bühne des 3. All-Japan Folk Jamboree in der Stadt Sakashita im Landkreis Ena in der Präfektur Gifu aufgetreten war.
Nobuyasu Okabayashi zog sich in ein ländliches Dorf in der Präfektur Kyoto zurück und verbrachte dort etwa vier Jahre, in denen er die Musik vollständig aus seinem Leben verbannte und ein vom Schlamm gezeichnetes Bauernleben führte, während er sich vielleicht selbst neu fand. Es heißt, er habe sogar vor seinem Umfeld verheimlicht, dass er „Nobuyasu Okabayashi“ sei.
Doch dann ereignete sich etwas, das Nobuyasu Okabayashi, der dieses ländliche Leben führte, zurück in die Welt der Musik brachte. Als sein Leben auf dem Land bereits in das vierte Jahr ging, wurde er beim beiläufigen Fernsehen von den Gesängen von Hibari Misora und Michiya Mitsuhashi tief erschüttert.Was Nobuyasu Okabayashi, der sich bis dahin der amerikanischen Folk- und Rockmusik verschrieben hatte und Pop- sowie Enka-Lieder als Symbol des Kommerzes und als altmodisch empfand, nun empfand, war nicht mehr die Musik, bei der englische Texte ins Japanische übersetzt und im 2/4-Takt gesungen wurden, sondern der für Japaner typische 1/3-Takt und die wunderschön vorgetragenen Melodien.
„Tsuki no Yakan“ (Nachtzug im Mondlicht), das später zu einem berühmten Lied wurde, ist ein Stück, das Nobuyasu Okabayashi in einer ländlichen Gegend in Gedanken an Hibari Misora komponierte. Er nahm das Lied später auf eine Kassette auf und schickte sie an seinen Bekannten, den Illustrator Seitaro Kuroda; von dort gelangte es zum Texter Osamu Yoshioka und schließlich direkt zu Hibari Misora selbst.Hibari Misora selbst bat inständig darum, dieses Lied singen zu dürfen, und so kam es zu einer wundersamen Begegnung zwischen ihr und Nobuyasu Okabayashi im Aufnahmestudio. 1975 wurden dann Hibari Misoras Single mit „Der Nachtzug im Mondlicht“ auf der A-Seite und „Im Fluss des Windes“ auf der B-Seite veröffentlicht. Dies wurde offenbar möglich, weil Hibari Misora nicht nur Nobuyasu Okabayashis „Der Nachtzug im Mondlicht“, sondern auch „Im Fluss des Windes“ mochte.Danach wurden Nobuyasu Okabayashi und Hibari Misora zu Trinkfreunden und vertieften ihre Freundschaft.
Es gibt eine Anekdote, wonach Hibari Misora in den 1970er Jahren Nobuyasu Okabayashi einen Brief überreichte. In diesem Brief war ein Gedicht enthalten, dessen Weltbild er damals noch nicht verstehen konnte und das er daher nicht in ein Musikstück umsetzen konnte. Als er jedoch 2009 sein Haus aufräumte, fand er den Brief in einer Schublade und veröffentlichte nach etwa 35 Jahren „Requiem – Die Lerche im Weizenfeld“ (2010).
Die vollständige Wiederbelebung der Seele, die Nobuyasu Okabayashi mit „Enya Totto“ vollbrachte
1975, nach vier Jahren Leben auf dem Land, kehrte Nobuyasu Okabayashi wieder in die Welt der Musik zurück. Er wechselte von seinem früheren Label CBS/Sony zu Nippon Columbia und veröffentlichte „Utsushie“ (1975), ein Album mit Enka- und Kayōkyoku-Stücken, das sich von seinen früheren, leidenschaftlich vorgetragenen Arbeiterliedern unterschied, in denen er seine eigenen Erfahrungen verarbeitete.Nobuyasu Okabayashi fand seinen Weg nicht zum 8-Beat-Rock oder zur Folk-Musik des Westens, sondern erkannte, dass gerade die Rhythmen der japanischen Volkslieder und des Bon-Odori das „Enya-Totto“ waren.
Es gibt auch eine Legende, wonach Hibari Misora im Dezember desselben Jahres bei seinem „Nobuyasu Okabayashi Recital – Nakano Sunplaza“ im Nakano Sunplaza – seinem ersten Solo-Konzert seit etwa vier Jahren – aus dem Publikum auf die Bühne kam und dort „Kaze no Nagare ni“ sang.
Hinter dem Musikstil von Nobuyasu Okabayashi verbargen sich die Befreiung von den Qualen, die ihn als „Gott des Folk“ bezeichneten, die harte körperliche Arbeit im Tal sowie die Rhythmen von Enka und Kayōkyoku, denen er im ländlichen Leben begegnet war. Vielleicht war genau das die Antwort, die ihm half, seinen eigenen neuen Musikstil zu entwickeln.
Die japanischen Gitarren, die Nobuyasu Okabayashis „Enya-Totto-Musik“ tragen
Hinter der von Okabayashi verfolgten „Enya-Totto-Musik“, die auf traditionellen japanischen Rhythmen basiert, verbirgt sich sein Anspruch, auch unter extremen Spielbedingungen einen guten Klang zu gewährleisten. Insbesondere „guter Klang, Robustheit und ein schöner Ton“ sind genau die Eigenschaften, auf die Nobuyasu Okabayashi besonderen Wert legt.
YAMAHA L-54 Custom, Baujahr 1977
Das Bestellsystem entstand unter dem Konzept: „Keine bestehenden Modelle, sondern die Klangkreation, die der Künstler wünscht.“ Terry Nakamoto, mit bürgerlichem Namen Terumi Nakamoto, der die Aufsicht innehatte, erklärte: „Das hat nicht genug Wirkung, um sie zu beeindrucken“, und fertigte die Gitarren auf der Grundlage der vier Modelle an, die später als die „vier L-Gitarren-Könige“ bezeichnet wurden. Diese Modelle sind die L-51, L-52, L-53 und L-54.
Dieses Instrument ist eine von Nobuyasu Okabayashi in Auftrag gegebene Gitarre auf Basis des L-54-Western-Korpus. Bei der Bestellung gab er Terry Nakamoto folgende Vorgaben: „Ein guter Klang, robust und ein ‚vulgärer‘ Sound.“
Aus den Aufzeichnungen geht hervor, dass dieses Instrument, das gemäß dem oben genannten Auftrag gefertigt wurde, insgesamt dickere Saitenplatten aufweist und durch den Verzicht auf Positionsmarkierungen ein schlichtes Erscheinungsbild erhielt. Es handelt sich um ein besonderes Exemplar, dessen Aussehen zwar dem der L-51 ähnelt, das sich jedoch in der Korpusgröße unterscheidet. Nobuyasu Okabayashi erzählt: „Ich lernte Herrn Nakamoto 1977 kennen, und seit er mir dieses Exemplar (L-54 Custom) gebaut hat, spiele ich ausschließlich Yamaha. Ich war von Terry Nakamotos Persönlichkeit begeistert.“
*Das Bild dient nur zur Veranschaulichung. (L-54 Custom, Baujahr 1975)
Terry's Terry TJ-100 Custom
*Das Foto dient nur zur Veranschaulichung. (TJ-100)
Die von Terry Nakamoto geleitete Marke „Terry’s Terry“
Jedes Instrument wird von Herrn Nakamoto einzeln gefertigt und mit einem Lederetikett im Inneren versehen, auf dem seine eigenhändige Unterschrift zu sehen ist, bevor es an den Besitzer ausgeliefert wird.
Das von Nobuyasu Okabayashi gespielte Instrument ist ein Modell mit einer Rosette aus Abalone-Muschel und Schneeflocken-Einlagen. Das auf dem Foto abgebildete Modell ist auch am Purfling mit Abalone-Muschel verziert, was bei dem von Nobuyasu Okabayashi gespielten Instrument jedoch nicht zu erkennen war. Daraus lässt sich schließen, dass er ein möglichst schlichtes Design bevorzugt.
Terry's Terry TMJ-051 Custom
Ein Instrument, das auf der YAMAHA L-51 basiert, die sich durch einen asymmetrischen Korpus auszeichnet.
Die Besonderheiten dieses Modells liegen darin, dass die Korpusform, das Schlagbrett und die Form des Stegs unverändert geblieben sind, während der Kopf die Terry's Terry-Form aufweist und für Griffbrett und Steg nicht Ebenholz, sondern Palisander verwendet wurde. Auch hier ist zu erkennen, dass auf Verzierungen aus Abalone-Muschel verzichtet wurde und das Instrument schlicht gehalten ist.
*Das Bild dient nur zur Veranschaulichung. (D-28, Baujahr 1955)
Hier sehen wir die TS-100 Custom, deren dreifarbiger Sunburst-Farbverlauf ins Auge fällt. Im Gegensatz zu den beiden bisher vorgestellten Terry's Terry-Modellen ist hier eine Verzierung aus Abalone-Muschel an den Kanten des Korpus zu erkennen.
Korpus, Griffbrettseiten und Kopfplatte sind mit Ahorn-Einfassungen versehen. Es ist ein Instrument, das eine ganz andere, zurückhaltende Eleganz und Schönheit ausstrahlt als Modelle in Naturfarbe.
Nobuyasu Okabayashi kennenlernen...
Mir wurde erneut bewusst, dass Sänger, die in den späten 1960er- bis 1970er-Jahren aktiv waren, als „Underground-Folk“ im Trend lag, von Jugendlichen und der Bevölkerung wegen Kommerzialismus kritisiert wurden und eine Zeit durchlebten, in der sie unter diesem Druck litten und ihr Selbstvertrauen neu überdenken mussten.
Es war überraschend, dass nicht nur Tomoya Takaishi, den ich in der zweiten Folge vorgestellt habe, nach Nadasho zog und sich von der Musik distanzierte, sondern auch Nobuyasu Okabayashi durch sein Leben auf dem Land Abstand zur Musik nahm. Ich war erstaunt, dass er 1969 aufgrund psychischer Erschöpfung durch einen überfüllten Terminkalender und die Erwartungen der Zuhörer einen Auftritt in Osaka kurzfristig absagte, einen Brief mit den Worten „Ich gehe erst mal meinen Durchfall kurieren“ hinterließ und dann verschwand.
Zudem war Nobuyasu Okabayashi neben Happy End, Hibari Misora und Osamu Kitayama eine der Persönlichkeiten, die ihre Zeit geprägt haben. Waren die Begegnungen, die er im Laufe seines bewegten Lebens anziehen konnte, nicht das größte Wunder, das in die japanische Musikgeschichte eingegangen ist?Als ich mir erneut Meisterwerke wie „Yamaya Blues“ und „Tulpen-Applikation“ sowie natürlich „Ein Liebeslied für dich“ und „Mein Freund“ anhörte, verspürte ich den Wunsch, Nobuyasu Okabayashi noch besser kennenzulernen.
Wenn ihr also Geschichten habt wie „Wenn man von Nobuyasu Okabayashi spricht, gibt es diese Anekdote!“, „Dieses Lied sollte man sich unbedingt anhören“ oder „Ich habe sein Verschwinden damals mit eigenen Augen miterlebt“, dann lasst es mich bitte unbedingt wissen!
Wir freuen uns auch weiterhin auf Ihre Wünsche zu Musikern, über die wir berichten sollen, sowie auf Geschichten rund um Folksongs. Für mich sind solche authentischen Erzählungen wie „Das habe ich damals mit eigenen Augen gesehen“ oder „Den Klang dieser Gitarre habe ich bei jenem Konzert gehört“ äußerst wertvoll und das beste Lehrbuch überhaupt. Wenn Sie möchten, wenden Sie sich bitte an Hoshino von Advance Guitars.
✉️ aco@tcgakki.com
Dann sehen wir uns wieder in der nächsten Folge von „Hoshinos Folk-Reise“!
Autor dieses Artikels: Hoshino (Advance Guitars)
Seit Januar 2025 bei TC Gakki tätig. Er spielt hauptsächlich E-Gitarre mit Schwerpunkt auf Instrumentalmusik und ist dabei stets auf der Suche nach den Nuancen und dem Ausdruckspotenzial der Gitarre.
Zu seinen Lieblingskünstlern zählen B'z, Gary Moore und Allen Hinds.
Sein Hobby ist das Zeichnen von Illustrationen mit Copic-Stiften.
Qualifikationen und Berufserfahrung: 10 Jahre Erfahrung als Musikinstrumentenverkäufer , 2 Jahre als Musikinstrumenten-Gutachter
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